向蒙德里安致敬系列女装

① 圣罗兰的爱情寓意是什么

在复杂多变的世事面前，愿望总是显得不堪一击，人们的感情需要寄托。为了表达美好的愿望和坚定的信念，人们往往赋予一些事物美好的寓意，就像设计水宝、福娃这样的吉祥物是为了表达我们希望上世博会、北京奥运会圆满结束一样。关于幸运和爱情有许多有趣的象征性事物。

10．半边鱼

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半边鱼外形独特，呈长椭圆形，身体一侧凸起、有鳞，另一侧扁平、光滑、无鳞，像半个身体的鱼，故而得名。雄雌半边鱼成双生活，常出现在广西西北部花坪国家自然保护区一带。更有趣的是，每当它们在前进中遇到险滩，雄鱼和雌鱼就将身体扁平的一面紧贴在一起，两条鱼合二为一，齐心奋力溯流而上。如果其中一条鱼游不动，另一条鱼绝不会独自离去。因此，当地人流传有“爱情要像半边鱼”的赞美诗句，以此来比喻人们对待爱情的忠贞不渝，白头偕老。半边鱼肉鲜美，常遭偷捕。

9．并蒂莲

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荷花一般只形成一个花芽，开一朵花。在受到某种特殊外界环境条件的刺激，或内部发生特殊变异时，生在一支茎上的花芽，便有可能分化成两个像双胞胎似的花蕾，从而在一支花柄上形成两个花蒂，开两朵花，结一对莲蓬，这便是并蒂莲。并蒂莲属睡莲科，荷花中的千瓣莲类，也有人称它为并头莲、同心芙蓉、合欢莲、瑞莲。

在古代，人们视并蒂莲为吉祥、喜庆的征兆。“青荷盖绿水，芙蓉披红鲜。下有并根藕，上有并蒂莲。”并蒂莲被誉为爱情的象征——同心、同根、同福、同生，喻意夫妻百年好合、永结同心。也用来象征兄弟情同手足，感情深厚。

8．相思子

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“红豆生南国，春来发几枝。劝君多采撷，此物最相思。”

相传汉代闽越国有一男子被强征戍边，其妻终日望归。后同去者归，惟其夫未返，妻念更切，终日立于村前道口树下，朝盼暮望，哭断柔肠，泣血而死。树上忽结荚果，其籽半红半黑，晶莹鲜艳，人们视为贞妻挚妇的血泪凝成，称为“红豆”，又叫“相思子”。

相思子其实不是红豆。从颜色上看，相思子半红半黑，红豆全红。从分类上看，它们是同科不同族的两类植物。按植物志分类，红豆列在豆科蝶形花亚科槐族中，中国分布35属，食用的红豆属于菜豆族；相思子列在豆科蝶形花亚科相思子族中，在中国分布4属。红豆是木本植物，大部分属类为乔木，少部分为小乔木或灌木；相思子多为藤本植物，有少部分为攀援灌木或灌木。相思子的根、叶、种子一般有毒，种子毒性最大。我们食用的红豆是海红豆，又叫赤豆、红饭豆，营养丰富。

7．摩天轮7

传说一起坐摩天轮的恋人最终会以分手告终，但当摩天轮达到最高点时如果与恋人亲吻，就会永远一直走下去。传说摩天轮的每个盒子里都装满了幸福。当我们仰望摩天轮的时候，就是在仰望幸福。幸福有多高，摩天轮就有多高。

设计世界上第一座摩天轮（Giant Wheel）的工程师叫乔治·费里斯（Gerorge W.Ferris），所以摩天轮又叫做“Ferris Wheel”。1893年，芝加哥要举办世界博览会，纪念哥伦布发现美洲大陆400周年。当时芝加哥的展会组织机构打算建造一个标志性建筑，与法国的艾菲尔铁塔媲美。艾菲尔铁塔于1889年法国举办世博会时建成，并以此纪念法国大革命胜利100周年。最后组织方选择了费里斯，让他为世博会建造一座巨型摩天轮。这座最早的摩天轮直径达76米，有36个座舱，每个能容纳60人，乘坐一次需要50分钟。1906年就被破坏了。后来Eli Bridge公司研发了更实用的可移动的摩天轮。

“新加坡摩天观景轮”现在是全球最大的摩天轮：高165米，相当于42层楼；轮体直径达150米，共28个座舱，每个可容纳28名乘客，相当于一辆巴士大小；一圈需要32分钟。“南昌之星”是中国最高的摩天轮，位于江西省南昌市赣江边上的赣江市民公园。它总高160米，转盘直径153米，可以不间断地转动。北京朝阳公园计划建造世界最高的摩天轮：地面高度208米，轮盘直径约198米，共48个座舱，每个可载40人。原本应该2008年竣工开放，因为资金问题而搁浅。

6．鸳鸯

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鸳鸯，又名乌仁哈钦、官鸭、匹鸟、邓木鸟，常出现在中国古代文学作品和神话传说中。鸳指雄鸟，鸯指雌鸟。《诗经》里有借鸳鸯歌咏君子的诗歌：

“鸳鸯于飞，毕之罗之，君子万年，福禄宜之。

鸳鸯在梁，戢其左翼，君子万年，宜其遐福。

乘马在厩，摧之秣之，君子万年，福禄艾之。

乘马在厩，秣之摧之，君子万年，福禄馁之。”

古代还曾把鸳鸯比作兄弟。《文选》中有“昔为鸳和鸯，今为参与商”，“骨肉缘枝叶”等诗句。以鸳鸯比喻夫妻，最早出自唐代诗人卢照邻《长安古意》一诗中“愿做鸳鸯不羡仙”一句，赞美了美好的爱情，以后一些文人竞相仿效。

鸳鸯在人们的心目中是相亲相爱、白头偕老的表率，甚至认为鸳鸯一旦结为配偶，便陪伴终生，即使一方不幸死亡，另一方也不再寻觅新的配偶，而是孤独凄凉地度过余生。其实这只是人们看见鸳鸯在清波明湖之中的亲昵举动，通过联想产生的美好愿望。事实上，鸳鸯在生活中并非总是成对生活，配偶更非终生不变。在鸳鸯的群体中，雌鸟也往往多于雄鸟。

5．千纸鹤

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千纸鹤源于日本，最初用来表达希望病人早日康复的愿望，后来人们为了祈祷其他事情如愿也这样做。传说一天折一只，坚持一千天，就可以给自己喜欢的人带来好运和幸福，这也就是它们名字的来源吧。这个传说来自二战一个故事。

1945年8月6日，“小男孩”在广岛上空爆炸，1.7公里之外就是一个名叫佐佐木贞子的小女孩的家。当时，两岁的小女孩被原子弹爆炸产生的冲击波抛到屋外，幸运的是没有受伤。她和妈妈幸存下来，但是受到满含辐射尘的黑雨伤害。1954年9月，她被诊断出患有白血病；1955年1月，医生说她最多能再活一年。1955年8月6日，医院准许她离开医院，与家人一起参加和平追思仪式。但在去公园的路上，她的牙龈开始出血，不得不返回医院。

这时候，从名古屋送来各种颜色的纸鹤，挂在医院里鼓舞病人。许多病人受到激发，也开始折叠纸鹤，佐佐木也是其中之一。不到一个月，她就折了一千只纸鹤，把每只纸鹤用线串起来，挂在病房的天花板上，然后继续折下去。1955年9月底，她的病情越加恶化，已经不能自己走路了。10月25日她永远合上了双眼。人们被佐佐木的勇敢所感动，把她和纸鹤塑成雕像。今天，千纸鹤已经成为勇气的象征，鼓舞人们在不幸的命运面前迎难而上。

川端康成1952年的作品《千只鹤》讲了别样的故事，但让纸鹤更出名了。

4．流星

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传说在流星坠落时许愿，愿望就能实现。这已经是美好的愿望了。

晴朗的夜空几乎每晚都能看到流星，因为地球在各种天体构成的宇宙中穿梭，总会有星际物质与地球插肩而过。最早记载流星的文字见于《竹书纪年》：“夏帝癸十五年，夜中星陨如雨。”说的就是流星雨了。每年的流星雨会按规律出现，规模大小不同，可以预测。北半球有三大流星雨，每年比较稳定地出现，容易观察，分别是：1月上旬的象限仪座流星雨、8月中旬的英仙座流星雨、12月中旬双子座流星雨。狮子座流星雨出现在11月中旬，平常年份每小时只有十几颗。它著名的地方在于每33年左右会出现一次高峰期，流量可达数千百颗，下一次在2032年左右。

按照国际流星组织（IMO）今年的流星雨历，英仙座流星雨在8月13日达到高峰，每小时天顶流星数100颗，双子座12月14日达到高峰，每小时天顶流星数120颗。但是月光可能影响观察效果。

3．星沙

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也叫星星沙，顾名思义，就是长得像五角星的沙子（不是来自星星的沙子哦）。可能有的人是因为畅销小说《雨夜里的星星沙》而熟悉这种东西的。关于星星沙，不得不提两件事。其一便是一个美丽的传说。

很久以前，雨神美貌的女儿爱上了星之子，就是星星的儿子。但他们仅有一面之缘，随后再没机会相见。牵肠挂肚的思念让她鼓足勇气走进了星星王国，去寻找星之子。终于，在宇宙之巅，她找到了倾慕的他。不久，星之子也爱怜上这个美丽善良的女孩子，双双坠入爱河。可是天界不允许恋爱。雨神知道后，勃然大怒，不准女儿再与星之子见面。但是爱情的力量无比强大，他们决定离开天界。雨神是掌管水域的天神，每一滴雨水都是他的眼睛，只要她下令，雨水便可轻而易举地找到他们。所以他们绞尽脑汁想出了一个办法，就是两个人分别化成星星和雨水结合在一起，幻化成了一颗颗极小极小亮晶晶的星星，分散在世界的每一个角落。这样，他们既在一起，又可以躲过雨神的眼睛。一天夜里，雨神调动了所有的水域，去追捕小星星。整个世界顿时大雨瓢泼，几乎所有的小星星都被雨滴一一搜捕出来，只有余下很少一部分。它们落在了沙滩上，溶进了细细的沙子里。因为结合后的小星星本身就具有一些水分，所以时间一久，星星与细沙便巧妙地融合在一起，便形成了大家口中所说的星星沙。

另外必须提到的一点是“星星的故乡”塞班岛。说塞班岛是“星星的故乡”，是因为这里的海滩以星星沙出名，当夜晚看着星星拨开云雾笼罩夜空，你会相信这里就是星星的故乡。塞班岛是北马里亚纳（Mariana）最大的岛屿，东濒临太平洋，西临菲律宾海，与关岛和天宁岛相邻。

想来，星星沙的成分与普通沙子无异，人工制品多于天然品。

2．风铃

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风铃可谓土生土长的中国吉祥物。唐朝开元天宝遗事记载：“歧王宫中竹林中，悬碎玉片子，每夜闻碎玉子相触声，即知有风，号为至占风铎。”古人将碎石悬在一起，风吹玉振，叮叮当当发出清脆的声音，称为“占风铎”，目的是测风、知风。这是最早的记录，“占风铎”应该是风铃最早的起源。

中国人的铃、钟、铎，与西洋人的“bell”“chime”，虽然不等于风铃，但在造型、听觉和原理上，相差无几。中国古人悬挂风铃，是以“风吹玉振”的声音，达到警示、静心养性或祈福的目的。而现代人则更欣赏风铃悦耳清脆的声音，以及它造型丰富的美感。

风铃还常见于寺庙。“铃”在佛教上含有惊觉、欢喜、说法三义，常挂在佛教的法器、乐器上，以及殿堂、宝塔檐角下，随风吹动发出响声，具有辟邪、祈福意味。每一阵响声被视为一次祈福，类似于藏传佛教徒用转经筒代替诵经祈福一样。在日本，人们夏天会去寺庙进行“风铃祭”，就是希望“赏心悦耳”的铃声为他们消暑减灾，寄托他们的心愿。

唐朝时，“河北用兵，常夜作声以鸣缓急”，说明风铃还有示警之用。一些商店门口悬挂铃铛的作用类似于此：轻轻推开门，首先欢迎你的便是一阵清脆的铃声，随之便是一声温柔的“欢迎光临”……

风铃还被用来预测风水。现在市面上有各式各样的风铃，自制风铃也很简单。挂在门窗院落等通风处的风铃可以增添乐趣，作为装饰挂在室内的风铃则可以表现独特的创意和情趣。在亚洲很多地方，人们认为风铃能带来好运，但也有人认为其会招魂，不宜摆放。

1．幸运草

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三叶草不是一种植物类别，多是统称酢浆草、苜蓿、车轴草等通常长有三片叶子的植物。它们偶尔因为基因变异，长出四片叶子，甚至五叶、六叶，越多当然越少见。因为一般这些植物都只有三片叶子，四片叶子出现的几率大概是十万分之一，所以找到四叶草是十分幸运的事，这样的四叶草就成了“幸运草”。一说真正的四叶草叶是片上带白色条纹的白车轴草。

2009年5月10日刷新了吉尼斯世界记录：世界上叶片最多的幸运草共有56片叶子。此前的记录也是由这个人创造的：2008年6月他发现了21叶的幸运草。

幸运草可以追溯到爱尔兰。圣帕特里克是一位英国传教士，他将基督教信仰带到了爱尔兰。公元五世纪，基督教已是罗马帝国国教，那时英国属于罗马帝国，爱尔兰则不是。此时的爱尔兰是个充满暴力、野蛮和残忍的异教国家，甚至存在人祭。三叶草在爱尔兰随处可见，圣帕特里克为了解释清楚基督教 “三位一体”的理论，就用它作比喻，即“父是神，子是神，圣灵是神，却非三神，乃是一神”。后来更多传教士受他感召，追随他的足迹来到爱尔兰。爱尔兰人为了纪念他的贡献，把他去世的日子——每年3月17日，定为“圣帕特里克节”，三叶草则成为爱尔兰的象征。流传到现在，“圣帕特里克节”成为了西欧及北美基督教徒的重要节日，每到这一天，人们都会穿上带有绿色三叶草装饰的衣服，集中游行，举办餐会，参加教堂活动。

到了中世纪，基督教徒们意外发现这种植物存在四叶的形态，酷似十字架。他们就认为四叶的三叶草是具有魔力，是上帝赐予他们驱赶魔鬼的宝器；发现四叶草的人具有特异功能，能看到别人看不到的东西，而那些事物可能会带来灾难。所以四叶草就被当时的人们公认为是幸运的信物，称为幸运草。

另有传说认为亚当和夏娃把幸运草从伊甸园带到了人间。也有的说，亚当和夏娃被赶出伊甸园后，夏娃决定找回四叶苜蓿，以此纪念失去的天堂的生活，因此，如果发现了这样的苜蓿，就相当于拥有天堂的一部分。这四片叶子分别代表名誉、财富、爱情和健康。一说三片叶子分别是希望、付出、爱，而第四片是幸福，所以需要寻觅。

传说连续找到三片四叶草后遇见的第一位异性极可能是你的人生伴侣。

② 国内有哪些设计师女装品牌

国内：杨洁：意大利国际男装品牌 POKPOKER 主设计师，2008北京奥运会火炬手全球传递服装北京服装学院 男装设计主讲红都品牌 设计顾问2010年起携手凯迪拉克跨界设计合作年作为主创设计师设计了2008北京奥运会火炬手全球传递服装作品《盛衣》胜出赴巴黎参加WSN展览参与设计“60周年国庆”方案服装设计代表中国军威的“八一飞行表演队”飞行员服装参与设计意大利著名品牌“LA PERLA”女装系列；泳装系列；童装系列同期参与设计意大利著名流行趋势《A+A》男装系列POKPOKER致力于打造中国自己的，国际化高端新锐男装设计师品牌。品牌文化根源于全世人人皆知的POKER(扑克)，将扑克丰富多样而乐趣横身的识别性符号巧妙的运用到产品设计中，为28—38岁的各行业领军的时尚知性男青年提供高水准设计感且高品质的男装，与国际豪华汽车品牌凯迪拉克携手“以设计拒绝平庸”的跨界合作，更是凸显了POKPOKER提倡设计的价值与品位。POKPOKER除了一如既往的把扑克元素符号贯穿整个品牌的设计之外，在三个系列中分别将抽象绘画、蒙德里安色块、及解构主义建筑构造在遵循文艺复兴时期的雕塑美学并辅以趣味性的细节设计、巧妙的融入到年轻时尚且高品质的POKPOKER男装中，重新定义当下的男装审美。让每位身着POKPOKER男装的消费者都别具一格，在自己的工作生活中如同明星般自信而星光璀璨。刘洋(广东东莞东越服装有限公司YISHION·S品牌设计总监)走出与企业、品牌相结合之路刘洋说：“我出道时就以时尚、前卫定位，事实上，很多企业与我合作后才知道我做市场的经验很丰富。我对市场有自己的感觉，我自己评价是既会做秀也能做市场的设计师。经过这么多年的沉淀，我追求的是通过自己的设计体现一种美感，能让很多女性穿上我设计的服装实现一个梦想，所以我现在喜欢的是高级成衣和成衣的设计。我不否认高级时装的魅力，只是目前我更喜欢做市场的东西。”郭培中国高级订制的极致北京玫瑰坊时装有限公司董事长，国内高级定制服装设计师，申奥代表团形象大使杨澜、邓亚萍的服装都出自她手。2006年度最佳礼服设计奖郭培高级成衣作品层叠的钉珠、多变的手工刺绣、精巧的配饰、缥缈的透纱与流苏，以及贴身的剪裁，郭培的服装将女人的性感表现得淋漓尽致。她用动中有静的中西合璧，变与不变的时间螺旋，阐述着玄妙的服装哲学。郭蓓说：“高级订制是不断地追求质的过程，我们在一件衣服上花费的工时也越来越高，以前一件衣服花费30个小时的工时，现在要花费40-50 小时。开始我做订制是追求服装的外在，面料好、版型好，客人穿起来漂亮，对里面的东西稍有忽略。但前年我在英国接触高级订制，从那里学到了要做好别人看不到的地方超过别人能看到的地方。一个好字不是外在的，是一层层拨开看到的。”郭培设计的每一件衣服，制作工艺几乎都十分繁复。层层叠叠的钉珠，丰富多彩的手工绣花，装饰精巧的配饰，若隐若现的雪纺，缥缈浪漫的流苏，都是她表现女性美丽的武器。设计风:要的就是格调“如果一件衣服没有格调，就像一个人没有格调一样，就不会有价值。用心、用时间去完成的衣服，消逝的生命时间都融化在这件服装里，它自己就有了生命。”这是郭培的设计信条，她这样去做，慢慢形成了自己高级定制的客户群，而且客户回头率几乎百分百。自称是完美主义者的郭培做了20年的设计师，设计风格早已自然而然形成，她不会刻意去追求另类，而是很成......余下全文>>

③ 不给胖子留活路的Saint Laurent为什么照样俘获了时尚

而从年初传出Hedi Slimane离任Saint Laurent Paris的消息，Hedi Slimane四年合约到期，将不再续约，也就意味着这个消息板上钉钉了。

不过自从2012年Hedi接手之后，可谓是重塑了圣罗兰的形象，首先圣罗兰(Saint Laurent)不再公开举办高级定制时装秀。而是变成了在法国左岸的Hotel Senecterre由Hedi亲自设计，且只有得到Hedi认可才有资格，不是说你有钱就买得到。即使时尚圈质疑声不断，也不能阻止Hedi Slimane执掌下的Saint Laurent追随者接踵而来。不少明星大咖和时尚界人士爱上了Saint Laurent。现在Saint Laurent的业绩很大程度上来自于年轻人，而如今的Saint Laurent标志性的单品相信知道这个品牌的人都有所了解。

④ 刘野油画作品有哪些

1、《Lolita》

老人和狗面对的方向应该是家的方向，人物身上的补丁，说明这依然是一个悲惨世界的故事。沟壑中流淌过的是岁月的长河，翻黄的皮肤上夕阳的余晖，他曾经见证了多少光辉岁月，经了几多似水年华。

刘野，1984年毕业于北京工艺美术学校。1986年考入中央美术学院壁画系。

艺术风格

美丽、可爱、明亮，但又不像一幅卡通画那么简单，在早期的创作中，他经常使用画中画的手法，与典型的刘野风格的圆头圆脑的小孩出现在一起的，有蒙德里安的方块、DickBruna的小兔子、马格里特的超现实主义帽子或者范·艾克的古典主义圣母——他以此向喜爱的大师致敬。

在他的很多作品中，美丽的背后，却总让人感到一丝邪性，比如他的画笔下的泪眼欲滴的阮玲玉、自杀的罗密欧、有点SM尽头的女教师、抱猪的女孩……

⑤ 中国有名的服装设计师都有自己的品牌吗

国内：
杨洁：意大利国际男装品牌 POKPOKER 主设计师，2008北京奥运会火炬手全球传递服装
北京服装学院 男装设计主讲
红都品牌 设计顾问
2010年起携手凯迪拉克跨界设计合作
年作为主创设计师设计了2008北京奥运会火炬手全球传递服装
作品《盛衣》胜出赴巴黎参加WSN展览
参与设计“60周年国庆”方案服装
设计代表中国军威的“八一飞行表演队”飞行员服装
参与设计意大利著名品牌“LA PERLA”女装系列；泳装系列；童装系列
同期参与设计意大利著名流行趋势《A+A》男装系列

POKPOKER致力于打造中国自己的，国际化高端新锐男装设计师品牌。品牌文化根源于全世人人皆知的POKER(扑克)，将扑克丰富多样而乐趣横身的识别性符号巧妙的运用到产品设计中，为28—38岁的各行业领军的时尚知性男青年提供高水准设计感且高品质的男装，与国际豪华汽车品牌凯迪拉克携手“以设计拒绝平庸”的跨界合作，更是凸显了POKPOKER提倡设计的价值与品位。

POKPOKER除了一如既往的把扑克元素符号贯穿整个品牌的设计之外，在三个系列中分别将抽象绘画、蒙德里安色块、及解构主义建筑构造在遵循文艺复兴时期的雕塑美学并辅以趣味性的细节设计、巧妙的融入到年轻时尚且高品质的POKPOKER男装中，重新定义当下的男装审美。让每位身着POKPOKER男装的消费者都别具一格，在自己的工作生活中如同明星般自信而星光璀璨。

刘洋(广东东莞东越服装有限公司YISHION·S品牌设计总监)
走出与企业、品牌相结合之路
刘洋说：“我出道时就以时尚、前卫定位，事实上，很多企业与我合作后才知道我做市场的经验很丰富。我对市场有自己的感觉，我自己评价是既会做秀也能做市场的设计师。经过这么多年的沉淀，我追求的是通过自己的设计体现一种美感，能让很多女性穿上我设计的服装实现一个梦想，所以我现在喜欢的是高级成衣和成衣的设计。我不否认高级时装的魅力，只是目前我更喜欢做市场的东西。”

郭培

中国高级订制的极致

北京玫瑰坊时装有限公司董事长，国内高级定制服装设计师，申奥代表团形象大使杨澜、邓亚萍的服装都出自她手。

2006年度最佳礼服设计奖郭培高级成衣作品

层叠的钉珠、多变的手工刺绣、精巧的配饰、缥缈的透纱与流苏，以及贴身的剪裁，郭培的服装将女人的性感表现得淋漓尽致。她用动中有静的中西合璧，变与不变的时间螺旋，阐述着玄妙的服装哲学。

郭蓓说：“高级订制是不断地追求质的过程，我们在一件衣服上花费的工时也越来越高，以前一件衣服花费30个小时的工时，现在要花费40-50 小时。开始我做订制是追求服装的外在，面料好、版型好，客人穿起来漂亮，对里面的东西稍有忽略。但前年我在英国接触高级订制，从那里学到了要做好别人看不到的地方超过别人能看到的地方。一个好字不是外在的，是一层层拨开看到的。”
郭培设计的每一件衣服，制作工艺几乎都十分繁复。层层叠叠的钉珠，丰富多彩的手工绣花，装饰精巧的配饰，若隐若现的雪纺，缥缈浪漫的流苏，都是她表现女性美丽的武器。
设计风:要的就是格调
“如果一件衣服没有格调，就像一个人没有格调一样，就不会有价值。用心、用时间去完成的衣服，消逝的生命时间都融化在这件服装里，它自己就有了生命。”这是郭培的设计信条，她这样去做，慢慢形成了自己高级定制的客户群，而且客户回头率几乎百分百。

自称是完美主义者的郭培做了20年的设计师，设计风格早已自然而然形成，她不会刻意去追求另类，而是很成熟地固定下自己的风格。她的设计风格比较女性化，很细腻，追求工艺的完美。

罗峥(深圳市欧萌实业有限公司设计总监)
第10届中国时装设计“金顶奖”罗峥作品《21克》
罗峥的设计风格以唯美浪漫著称，此次发布的服装灵感来源于蝴蝶兰花用尽全部生命幻化成蝴蝶的动人故事，通过国际化的手段展示民族元素，色彩上以米色、米白以及高雅的灰紫为主，面料则多采用精致的绡纱。浅金、拼接、镶嵌等精湛而独特的工艺，突出了不同肌理的碰撞与融合，创造出美轮美奂的效果，用灵魂深处最真实的感受展现出永远精致极美的生命体验。

坚持唯美风格的胜利

2006中国时尚大奖颁奖典礼上，罗峥获得第10届中国时装设计金顶奖。

舞台上的罗峥，优雅、阳光、无忧无虑。可罗峥说自己虽然看起来无忧无虑，其实吃的苦并不比别人少。对于服装行业的苦，罗峥深有体会，但是梦想一直支撑着她不断坚持。她坚信自己是有翅膀的，她的梦想就是要飞翔。罗峥在一次采访中曾经说过，无论生活有多难、多苦，我们都要在重压下优雅前行。

中国服装业最具影响力的十大设计师之一。2002年，她凭一场取名“炫舞”的时装秀，夺得中国十佳设计师第一名、中国十佳设计师专业奖、中国最佳女装设计奖等多项大奖。她的作品，得到包括法国前总统蓬皮杜的夫人等名流在内的首肯。
设计风:传统也可以现代
她追求灵动、变化与浑然天成的设计风格，作品充满了浪漫、朦胧的美感。在老外眼中，罗峥是个很中国的设计师。但她却一直认为，在当今审美越来越西化的今天，过于强调传统的元素，会被看成落伍。所以，她一直坚持，将传统的审美精华用现代高雅的感觉表现出来。

张肇达
中国时装设计界的领军人物，中国服装设计师协会副主席，中国十佳设计师之首。他是中国时装设计师成功闯入欧美时尚界的第一人。

两届中国时装设计“金顶奖”得主张肇达高级成衣作品《西藏》

设计风:民族情结

从“东方晨彩”、“贵魅惊艳”、“大漠”，到“紫禁城”以及“江南”，张肇达的设计灵感，始终没有离开东方民族风。这也造就了他华美、高雅、大气恢宏的设计风格。这次从西藏归来，他的创作显得很轻松，他说:“有12件不是我做的，而是神做的。”说完大笑，绝无抬高自己的意思，而是感叹自然的伟大。

马艳丽
11月25日出生于河南，身高179公分，1986-1990河南周口地区体校(排球专业) 1990-1993河南省水上运动学校(赛艇专业)。连续两年当选为中国最佳职业模特。从名模到设计师，她成功完成了自身形象的转换。1999年底马艳丽成立了以自己名字命名的工作室DDMary Ma后，已经在1999年和2000年的两届中国时装周、2000年的上海国际时装界上举办了三次个人作品发布会，舆论评价很高 。

马艳丽的高级定制走的是高端路线。
马艳丽凭着一股子不服输的韧性和人生智慧，在短短十年的时间里完成了一个从赛艇运动员、超模、著名时装设计师的三级跳。

马艳丽高级定制时装
设计风:人衣合一

“高级定制固然追求与众不同，但其本质还是穿在人身上，所以我的一切设计都是从顾客本身的特色和需求出发，漂亮的不一定合适，只有又合适又漂亮的，才是适合自己的。”

祁刚

1998年毕业后先后辗转上海逸飞服饰、北京中服集团，以及浙江骊谷服饰担任设计师。2005年，他为高圆圆定制赴法国戛纳电影节的特别礼服“喜上眉梢”惊艳全场，掀起一阵中国时尚风潮。2006年，祁刚成立创意工作室。

2006年度最佳风格设计奖祁刚高级成衣作品《阁楼》
设计风:面料再造
“原创是赋予面料生命力的最有效途径！”祁刚说道，“面料，这个在服装设计中成为载体的物品，关键看设计师如何运用。”祁刚认为太多的设计师头脑禁锢在了自己已有面料的框框里，而忽视了自己动手改造面料的天分和乐趣。“设计就是要创新，它带给设计师无与伦比的快乐，并且是这个世界的惟一。”

陆坤

陆坤的设计风格具有一种很绝对的自我特色，他不愿意照搬其他国际知名设计师的作品，而是非常专注的致力于创立一种真正代表现代中国的独特风格，那将是一种全新的生动的形式，既融合了现代中国的风韵，影响和创造力，也把这些元素和古典的设计元素适当结合，给人一种浓妆淡抹总相宜的视觉享受。

新一代独立设计师，自2002年成立个人工作室后，获上海服装联盟颁发的“中国最佳青年设计师”奖项和2004年度中国时尚新锐设计师称号。
设计风:成熟的年轻
“让高级成衣更年轻化。”是陆坤时常说的一句话。“我的客户大多是30出头的女性，她们有品味、眼光和消费能力，是未来购买高级成衣的生力军。她们的穿衣风格影响着年轻女孩的审美，是她们的榜样。”

吉承
吉承是一个有着细致性灵的小女人，她称“设计”是做衣服，她说，我做的礼服一定是白色，还要有中国的元素。

“做”出来的衣服，像一大朵写意的荷花，裙摆是长长的漂亮的荷叶边，风吹起来的时候，它们都可以演绎轻舞飞扬，“它们能神奇的错落有致，层层叠叠，设计的灵感就是来自花瓣”。

它无疑是极简的，但是又有着那样繁复的细部，而吉承无疑是有着细腻的感情，才能将奢华的气度运用的如此朴素而内敛，内敛而澎湃的对比情节也将是她设计的符号。

吉承说衣服的灵魂其实是人，再华美的袍也美不过新娘

吉承是崛起于上海的年轻服装设计师，是如今国内一批新锐设计师的代表人物之一。其品牌LaVie已开始受到瞩目，并已进驻外滩18号。

这一系列的设计灵感来自美丽的风筝，通过天然轻柔的面料来表现风筝的轻盈的感觉。吉承是崛起于上海的年轻服装设计师，是如今国内一批新锐设计师的代表人物之一。其品牌LaVie已开始受到瞩目，并已进驻外滩18号。
设计风:中国式性感
西式的剪裁配上东方灵感，混合出一种幽默和灵动，这就是吉承的设计，带着一种浓浓的中国式性感。她喜欢用破坏的方式诠释自己眼中的中国，譬如用线条、滚边来制造图案；用素缎包边来制造细致的军大衣。虽然目前吉承大部分顾客是老外，但她却始终认为她的设计更适合中国人。

计文波(利郎(中国)有限公司设计总监)
中国男装设计第一人

11月22日，中国国际时装周2007春夏系列发布的最后一天，利郎(中国)有限公司在北京宣布，明年1月利郎将携著名男装设计师计文波代表中国男装品牌在米兰男装周做发布。这是中国男装品牌和中国服装设计师首次登上国际顶级男装T型台。

设计灵感：计文波的设计灵感来自于秦代兵马俑，秀场编排上将京剧和武术这些典型的中国文化元素融合在一起。整场设计不但走在世界流行趋势前沿，更将中国文化元素的精髓极至融合，也将“利郎”品牌对中国男人、中国精神及中国品牌的形象诠释展示给众人

王一扬(上海素然服饰有限公司设计总监)
新锐设计的高度

王一扬作为上海新锐设计的代表人物之一，今年不仅在北京作秀，而且举办了作品的小型展。他以自己的两个很有特色的品牌在服装设计事业上路越走越宽。

王一扬说：“我希望‘茶缸’能尽可能接近自己的真实状态，能尽可能的自由。‘茶缸’对我来说最大的诱惑来自于那些未知的区域。对ZUCZUG，我希望它更成熟、更完整，并能形成自我更新的能力。”

房莹(房莹设计工作室设计总监)

⑥ 荷兰风格派代表人物，绘画风格以及主要特征，代表作品，受何种哲学思潮影响

代表人物：蒙德里安
绘画风格：新造型主义画派或要素派。
主要特征：把传统特征完全剥除，变成最基本的集合结构单体。
代表作品：灰色的树
父亲是清教徒和业余画家，叔父是职业画家，使得蒙德里安从小接触美术。而宗教对蒙德里安来说更是他的启发、转变风格的关键。
(以上来源于网络。。噗。。)

⑦ 抽象派画家代表是谁

1、康定斯基

其艺术在强调“神秘的内在结构”，即在具体的物象之外，为内在情感的需要而寻觅对等图像的前提下，作品日趋抽象，于1910年率先创作了第一幅纯抽象画。此后，画中全然抽象的点、线和色，弃绝了客观对象和生活的内容，富有音乐韵律的构成给人一种奇异、悦目的感受。代表作为《和缓的跃动》等。

⑧ 漂亮是美术鉴赏的标准吗

漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美

一、教材分析
（一） 教学目标
美术鉴赏究竟鉴赏什么？这对于一般人来说是一个实际而又不清楚的问题。从本课开始，我们将进入美术鉴赏的专业知识学习阶段。我们在本课遇到的首先是美术作品的艺术美和形式美问题，这对于鉴赏美术作品是至关重要的。因此，本课的教学目标就是让学生了解：1.什么是美术作品的艺术美和形式美；2.美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。
（二） 内容结构
本课主要包括三大部分。
第一部分是通过法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》提出，美术作品的艺术美是艺术所特有的美，以改变一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。因为一般人的这种观念是根深蒂固的，它不仅影响了人们对美的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。由此强调美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。
紧接着在第二部分“什么是艺术美？它有哪些表现？”中对“艺术美”及其表现作出说明。这里涉及到“美术形象”这个概念，可以参照第3课对“艺术形象”这个概念的解释。不过本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。
第三部分“什么是形式美？如何理解和把握形式美？”是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。这里先简单解释了什么是“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。美术作品的形式美主要就来自于此。
（三） 教学的重点与难点
学习和掌握美术作品的艺术美和形式美是美术鉴赏进入专业层面的标志，也就是使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，作为“培养审美的眼睛”的开始。因此，本课教学的重点在于说明，美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。
本课教学难点，主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。
这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，但教师需要对此有较清晰的认识。美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。一般来说，美术作品的艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出的艺术所特有的美，其中包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。在这一点上，它与美术作品的形式美具有同一的来源。但二者所指不同，所谓“艺术美”主要强调的是艺术独立于现实的自身所特有的自在的美，这种美在现实中也许可以直接看到，但也许根本看不到，它是由美术作品集中提示出来的。而形式美尽管也是由艺术家借助美术的语言元素、语言手段和语言规则从现实中提炼而出，但它则更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。但美术作品的艺术美和形式美之间的渗透和包容关系又使得这个问题变得非常复杂，教师应注意不要在这个问题上作过多的纠缠，只要简单地指明美术作品的艺术美和形式美的独立性和与现实的区别即可。因为在这个问题上需要不断学习和大量的积累，才能有更准确的把握与理解。这是一个长期的学习过程。
二、教学内容资料
（一） 作品分析
欧米艾尔（雕塑，1885年）罗丹（法国）
罗丹（Auguste Rodin,1840—1917）出生于巴黎拉丁贫民区一个贫穷的基督徒家里，父亲是一名小职员，母亲是受雇于人的女佣。罗丹自小就参加了各种手工艺劳动，做过首饰匠、珠宝匠、泥水匠、木匠、模塑工，由此他逐步爱上了美术。父亲虽不同意，但姐姐却很支持他，以自己微薄的工钱供他学习，因此罗丹得以进入巴黎一所专门培养工艺美术技工的图画与数学学校学画，但不久便因买不起油画颜料而转入雕塑班，并成为当时著名动物雕塑家巴耶的学生。三年的学习使他打下良好的传统雕塑基础，但他三年报考巴黎美院而不中，一个主考官给他的评价是：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”这给他很大的打击，但更大的打击还是姐姐的过世。从此他心灰意冷，便进入一家修道院出家了。有幸的是，修道院院长埃马尔神父发现了他的才能，便鼓励他继续从事艺术创作，还在修道院内专门为他安排了一间画室。为了表达对神父的感激之情，罗丹为神父做了一件胸像，从这件胸像中已可以看出罗丹的不同凡响之处了。
《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无与伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。这在资本主义金钱竞争、享乐造成灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲剧命运的反思。这种丑陋衰败的结局展示人类追求享乐的代价。因此，《欧米艾尔》这个人体雕塑越是丑陋，越是表现出作者对人类深沉的同情，体现出人类追求享乐的巨大代价。而越是丑得真实、丑得可信，越是具有较大的现实意义。罗丹用其丑无比的肉体形象，表现了当代人的罪恶、堕落、痛苦、绝望，也表现了作者对当代人的批判、同情、歌颂。
艾普色姆的赛马（油画，92厘米×122.5厘米，1821年，巴黎卢浮宫藏）热里柯（法国）
热里柯（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。热里柯在19岁时进入格兰的画室，格兰认为他具有非凡的才华。热里柯早期的作品即己表现出他的大度和热情。由于自小喜爱骑马，以后他成为画马的能手。他在1816—1817年去意大利时，迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品。热里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的观者攀缘在房子和教堂上，为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。热里柯当场画了许多与马有关的速写。这一幅《艾普色姆的赛马》反映了他这一时期的倾向，是热里柯去英国访问（1820—1822）期间完成的。他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从历史的角度看，热里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。热里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世，年仅33岁。
作为浪漫主义的先驱，热里柯向浪漫主义和现代倾向迈出了关键性的一步，他率先向文艺复兴的传统发起了总攻，这就是结束文艺复兴以来一直延续的对视觉真实的再现，这种再现一直使得艺术家处于相当被动的地位。而从浪漫主义开始（甚至也包括新古典主义某些极端的探索），艺术的个性化、艺术家的能动地位和艺术自身的价值体现逐步具有了主导意义，现实只是成为艺术和艺术家独立发展的参考，艺术的意义超过了现实的意义，或者说艺术家的现实观发生了变化。热里柯在这里不是再现他的所见，而是把他的所见情绪化地表现出来，代表了浪漫主义的特征。
雄视（中国画）潘天寿
潘天寿（1897—1971），原名天授，字大颐，号寿者，晚年常署颐者、雷婆头峰寿者，浙江宁海县冠庄人，是中国现代最杰出的中国画家和美术教育家之一。1915年潘天寿考入浙江第一师范，是李叔同和经享颐的学生。1923年任上海民国女子工校和上海美专国画系教师，开始研究中国画，并与吴昌硕交往密切，得到吴昌硕的称赞。1928年受林风眠之聘任西湖国立艺术院国画系主任、教授。1944年后任校长。潘天寿精于写意花鸟，兼作山水画、人物画，又擅长书法、篆刻，特别是“指画”。他对中国绘画史和绘画理论也有很深的研究和独到的见解。他的花鸟画别开生面、独树一帜，不论构图、用笔都追求雄强豪壮的气势，这不仅是他正直、倔强性格的写照，也是近代中国集体人格的反映。这幅《雄视》是他的代表作之一，表现了潘天寿在构图和主题处理上追求奇崛、险峻和险中求稳的艺术特征。正是由于潘天寿的杰出艺术成就，因而和吴昌硕、齐白石、黄宾虹一起被誉为“现代四大家”。
春雪（中国画，69.5厘米×138厘米，1984年）吴冠中
《春雪》体现了吴冠中的一贯艺术追求，但在他的同类作品中此画又是较为抒情的一幅。尽管此画尺寸较大，但仍给人一气呵成的感觉。画面上似乎只有几块大片的墨色，间以墨点和墨线，少数地方用了一些色彩，但奇怪的是，一个巍峨秀丽的雪山就出现在我们面前。点、线、面等语言要素被作者运用得机巧而灵动，充分发挥了中国画的语言特征，体现出中国画的形式美和艺术美，给人以艺术的享受。
老国王（油画，76.8厘米×54厘米，1916—1917，匹兹堡卡内基学院藏）卢奥（法国）
乔治•卢奥（1871—1958）出生于细木工家庭，原是法国象征派画家莫罗的学生。莫罗死后，他曾被任命为陈列莫罗作品的美术馆馆长，与野兽派画家志同道合。
卢奥的作品充满宗教情感，他憎恶法国社会道德的腐败，经常在出入巴黎地方法院时，看到一些“失去上帝恩宠的人们”，因而在他的画上增加了色衰的妓女、落网的歹徒和冷酷的法官等形象。
这一幅《老国王》，体现出彩色玻璃窗画的特色。颜色很厚重，黑色勾轮廓，体现出油画特有的艺术美和形式美特征。老国王的侧面形象显得很忧伤，不像国王，倒像个苦难者的化身，与基督受难像差不多。这幅画约创作于1916—1917年，在两次世界大战期间，卢奥反复修改了这幅画，借以寄托画家对苦难人民的同情。他在自己的回忆录中写道：“我是荒原里受苦难人的沉默的朋友。我是永恒苦难的常青藤，它攀缘在这被弃的墙上，墙内是反叛的人们藏着的罪恶与善行。作为基督徒，我相信钉在十字架上的耶稣。”
向正方形致敬（油画，120.7厘米×120.7厘米，1959年，纽约古根海姆博物馆藏）阿尔伯斯（美国）
约瑟夫•阿尔伯斯（1988—1976）生于德国波特罗普，32岁时进入包豪斯学院做学生，以后留校任教。1933年希特勒关闭包豪斯时，他是这个学院最早移居美国的教师之一。在美国，他成为宣扬包豪斯设计革命和设计手段新观念的最有影响的人物之一。他在北卡罗琳那开设的著名的黑山学院成为传播他的思想的主要阵地，也成为美国先锋派艺术家荟萃和获取灵感的大本营。
阿尔伯斯在理论和实践上对色彩知觉结构进行的详尽研究由其教学和作品传播开来，并对美国的抽象艺术产生了重要的影响。1950—1960年他离开黑山学院来到耶鲁大学成为建筑和设计系主任。这一时期开始了他著名的油画和正方形系列画，并都起名《向正方形致敬》。这组作品使他在抽象减少和视错觉的探索上达到一系列的高峰。其实，早在瓦萨雷利和巴黎的视觉艺术探索小组之前，阿尔伯斯就已经创造出了一种动力知觉绘画，他的这种创造使包豪斯构成派变成一种更有活力的抽象艺术。他于1959年开始的《向正方形致敬》系列，使他近乎绘制性地重复着他早先就已经开始的尽管不是很明确的主题，这就是用不同色调和比例以及不同变体的相叠的正方形色块，它使得埋藏在复杂视觉体验中的个人心理和丰富的情感内容受到前所未有的重视。
夜巡（油画，365厘米×438厘米，1642年，阿姆斯特丹美术馆藏）伦勃朗（荷兰）
伦勃朗（1606—1669）是荷兰大画家，不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣，从而使他在美术史上享有崇高的地位。
伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭，受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受定货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他的爱妻病逝，后又因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最后终使伦勃朗陷于困境不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没有停步，相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业工会理事》后，他的继妻和他惟一的儿子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。
在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重，仅他的自画像，目前保存的估计总数在60～100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在主要利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。
《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部定制的一幅群像肖像画。关于这一作品，过去流传的说法是：当此画的定制者看到完成了的作品时很不满意，因为画中只突出了几个主要人物，不少人被画在不够显眼的位置，他们要求画家修改此画，结果遭到伦勃朗的拒绝。定画者为此向法院提出控告，伦勃朗败诉，他从此成为不受欢迎的画家。他后半生的贫困生活也与《夜巡》一画有关。近几十年来，经过许多国家专家的考证，证明上述说法并不可靠，乃是伦勃朗死后一些传记作家，为了渲染所谓天才人物生前往往不能为人所理解而制造出来的。事实上，《夜巡》一画最后仍为定制者所接受，伦勃朗也得到了事先议定的报酬。
不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，并有节奏地处理这些民兵们。民兵的负责人宁•科克正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正与他的部下边谈着话边向观众走来。其他民兵，有的在击鼓，有的挑着旗，有的擦枪筒，有的举长枪，呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，构成一幅富有战斗性的构图，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。应当说明的是，此画原来画的时间是白天，由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景。大约从1800年开始，此画的名称一直被误传为《夜巡》。
空间中连续性的形式（雕塑，高110.5厘米，1913年，纽约现代艺术博物馆藏）波丘尼（意大利）
翁贝托•波丘尼（1882—1916）是一位博览群书、才华横溢的艺术家，也是未来派的重要理论家和灵魂，未来主义的两次宣言——“未来主义绘画技巧宣言”和“雕塑宣言”均出自他之手。他倡导艺术家应积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓动艺术家去捕捉现代生活中的运动、生命和速度。在波丘尼的心目中，运动感的表现是艺术中的首要问题，因此他的作品总是充满着动感。波丘尼是未来派最有才华的艺术家，可惜他在艺术上没有得到充分发展，当一战爆发时他自愿入伍，1916年他正值年富力强之时战死于意大利前线，年仅34岁。
波丘尼努力将运动的过程在《空间中连续性的形式》这件雕塑上表现出来，即把时间这一因素引入到造型艺术中，为此他创作了这件作品。这是一个快速行进中的人物全身像，但这个形象并没有五官和双臂，艺术家将这个人的每个运动步骤联系起来，创造出一个新的充满运动感的现代机械形象。它带有写意的特点，尽管没有完整的五官，也没有双手，并非一个真实的人体，但我们仍然能从它的动态感觉到一种力量速度，它在人的视觉上造成的是一个快速行进中的人物印象。
空间设计里特维特(荷兰)
在20世纪初的荷兰，风格派运动回应了阿姆斯特丹学派优雅的雕塑般的艺术风格，只关注艺术的客观性，他们拒绝使用物体的自然形态，而是尝试由直线、三原色以及黑、白、灰组成的抽象艺术语言。蒙德里安是风格派的创始成员之一，他的绘画获得了普通的承认。在建筑上，直线和平面互相穿插，提示我们建筑代表着空间的连续性而不是封闭的边界。
最清楚地表现风格派特征的建筑，是由里特维特(1888—1964)于1924年与他的客户——室内设计师斯劳德夫人共同设计，位于乌德勒布市的一座住宅。该建筑坐落于城郊的一片开阔地中，就像是一幅三维的小型蒙德里安式绘画，似一件摆设多于一座可居住的建筑。建筑形式表达清晰但却手法轻灵，各部分都是由面与线构成，表现得若隐若现、难以捉摸，使得这座建筑本身就是一种对空间的体验。
荷矛者（雕塑，高198厘米，公元前5世纪，罗马时期复制品，那不勒斯考古美术馆藏）伯留克莱托斯（希腊）
伯留克莱托斯是公元前5世纪古希腊最著名的雕塑家之一，擅长表现青年运动员的形象，所用材料都是青铜。据说他还写了一本论述人体比例的著作《法式》。可惜他的原作均已不存。这里的《荷矛者》被塑造成一个体格健壮、充满朝气的青年战士的形象，体现了古希腊人在希波战争胜利后对英勇保卫国家的战士们的崇敬心情。同时，它也是作者长期研究人体比例的验证。他认为最理想的人体比例，即头与全身的比例为1：7，以肚脐附近为重心划分的上下身比例为黄金分割的近似值5：8，身体重心的垂直线落于右脚之上。整座雕像以均衡的动作形成统一的构成，显得极其完美和谐。
米洛斯的阿芙洛蒂特（雕塑，高202厘米，公元前1世纪，巴黎卢浮宫博物馆藏，古希腊)
这座发现于爱琴海米洛斯岛的山洞中的雕像，是希腊化时期的作品。阿芙洛蒂特的罗马名字是维纳斯。这位美与爱之女神，在希腊和罗马神话中，已成为全部女性美的代表和体现者。从公元前4世纪的著名雕刻家普拉克西特以来，无数雕刻家都在千姿百态的女裸体像上，热情歌颂这位体现着女性的温柔、美丽和永恒青春的女神。但是，至今留给人们印象最为深刻，使人感到十分亲切，既貌美婀娜、体态万方，又庄重典雅的裸体女神雕像，就要算这座米洛斯的阿芙洛蒂特了。尽管她双臂残缺，但那雕刻得栩栩如生、解剖无懈可击的躯体，仍然给人以完整的美感，以至于后世很多为她复原双臂的雕刻家的复制品，都在原作面前黯然失色。这座雕像可供四面欣赏，无论从哪个角度看，都有某种统一而富于变化的美。女神的面部具有希腊妇女的典型特征——直鼻、椭圆脸、窄额和丰满的下巴。这正好说明希腊的神，是希腊人按照他们自己的模样来创造的。她那安详自信的眼神和稍露微笑的嘴唇，给人以矜持而富有智慧的感觉，毫无纤巧娇柔、顾影自怜的造作神态。她使人们了解到两千多年前希腊人的审美观：力求外在美和精神美的统一。丰腴饱满的躯体和端正大方的容貌，体现着青春、健美和充沛的生命力，体现着内在的教养和美德。这一切取决于雕刻家浑厚朴实而不追求纤巧细腻，但同时显示出人体动态中丰富的变化和含蓄的美感。
（二） 名词解释
美的规律和法则
从某种意义上说，规律与法则是一致的，因为法则体现了事物的规律性，而规律则是通过法则呈现出来的。对美的规律和法则的认识和总结在古希腊的时候就已经开始，当时主要体现在建筑和雕塑之中，以后逐步扩展到绘画，形成造型艺术产生艺术美和形式美的基本规范。在古希腊，艺术的法则有三个特点：(1)被认为是最完美的艺术形式规范，是达到完美艺术的保证；(2)它是以比例的形式体现的，并且可以用具体的数量来表现，例如事物各部分之间的比值和黄金分割率；(3)它是灵活的，可以随着人的审美的变化和视觉的需要加以适当的调整，但只有一个相对的空间。这样的研究对造型艺术创造自身的艺术美和形式美提供了重要的依据和手段，艺术家可以根据这样的美的规律和法则创造出符合人的视觉感受的美的形象。也就是说，美的规律和法则是按照自然并符合人的比例关系创造出来的，是对自然界的艺术的表达方式，这就是这种规律和法则的普适性。在这其中人们又总结出了变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等规则。
审美价值
即审美对象中能够满足人的审美需要，从而引起审美感受的价值属性。审美价值是建立在人和对象的实践关系上的，凭借美的规律，使人的本质力量得到对象化，即在对象中确证自己的存在和价值，由此获得自我享受。但审美价值的观念是在历史的发展过程中逐步形成的，因此就受制于时代性、阶级性和民族性，即不同时代、阶级和民族的审美价值观念存在着差异，因此，在对美的认识、想象和期待上就不同。
变化与统
形式美法则的高级形式，又称多样统一，也叫和谐。从整一律、对称均衡到多样统一，类似一生二、二生三、三生万物。变化统一体现了生活、自然界中对立统一的规律，整个宇宙就是一个多样统一的和谐的整体。“变化”或“多样”体现了各个事物的个性的千差万别，“统一”体现了各个事物的共性或整体联系。多样统一是客观事物本身所具有的特性。事物本身的形具有大小、方圆、高低、长短、曲直、正斜；质具有刚柔、粗细、强弱、润燥、轻重；势具有疾徐、动静、聚散、抑扬、进退、升沉。这些对立的因素统一在具体事物上面，形成了和谐。多样统一的法则的形成是和人类自由创造一种复杂的产品时要求把多种的因素有机地组合在一起一样，既不杂乱，又不单调。多样统一使人感到既丰富又单纯，既活泼又有秩序。这一基本法则包含了对称、均衡、对比、调和、节奏、比例等因素。所以一般都把“变化统一”或“多样统一”作为形式美的基本法则。
比例
造型各部分之间的尺寸关系。部分与部分之间、部分与整体之间、整体的纵向与横向之间等相互之间尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。适度的尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。适度的尺寸数量的变化可以产生美感，例如“黄金比例”是比较典型的。