波普图案风衣

A. 绿色波点风衣搭配什么打底裤阿 求图片

求稳重正式就黑色啦，求萌的话就灰色啦，求吸睛的话就正红啊（墨绿才行哦，浅一点都很翠花的。）另外波普风也有搭黄的。看你穿的场合啦，我肯定是配黑的鱼骨纹啦。

B. 关于男的配衣服!!!

如果是公斤的话,你应该算是蛮壮的了,很好配,但不要穿羽绒服,会显的很胖,穿长风衣吧配个围巾应该不错,裤子就要看你的身份了,如果是上班的就不要穿牛仔裤.
如果是斤的话,那就太瘦了,所以就要穿些今冬很流行的羊绒质地的大衣,就是在颜色和质地上要选择厚重,这样看着会厚实一点有点分量,不会让你显的过于单薄.所以颜色上不要穿浅色.
型男风格1 活力玩家

新世代的型男，他们热爱旅游、钟意冒险，憧憬能够遇到新的火花、惊喜，抑或是艳遇……身上的装备岂能马虎。兼具实用及美感的炫色运动鞋、超大旅行袋、御寒扮酷两不误的手套及围巾……能够构成简单随性着装之中的精巧细节，轻易成为他们的必然选择。

明星示范

风尘仆仆的落拓浪子形象已经落伍，在简洁却酷劲儿十足的皮衣与牛仔裤的组合中，搭配上独特的棉质旅行袋及时尚感十足的运动鞋，显示优雅的行者姿态，才是应有态度。

编辑推荐

●大热金属色的运用，令传统的运动鞋展现出非同一般的全新面孔。

●当红意大利男装设计师品牌Neil Barrett与PUMA的合作，将舒适的实用性与前卫的时尚感完美结合于一身。

型男风格2 都会率性

如今的都会上班族，早已不再是单一死板的公文包、电脑包走天下，选择可以解放双手的轻松侧背袋、大型手提袋才是王道，加上一双帆布鞋，打造出型男最爱的随性休闲风格，无论是约会还是上班都同样得宜。

明星示范

波普图案的针织衫，搭配暗紫色窄身裤，充满着60年代的复古气质，脚下的帆布鞋及侧背袋，仿佛是还在留恋着校园一般，让成熟男人也增添了青春气息。

编辑推荐

●仿佛是欧洲宫廷贵族式的印章图案，加在现代感十足的侧背袋上，充满华丽又玩味的效果。

●黑色的侧背袋很容易搭配，但要足够搭出效果，还是与黑色较为硬朗的款式比较适宜。
型男风格3 柔性摇滚

摇滚风潮在时尚界的影响力从来没有消退过，甚至还有越来越热的潜力，但近年来流行的摇滚风格，已经不再是过去刻意夸张式的破烂或是重金属，反而变成细微之处的一些点缀，标志性的骷髅头、粗犷感强烈的首饰，不需要太多，一点点已经足够。

明星示范

以鸭舌帽与太阳镜戴出的神秘感，搭配上音符式的腰带、骷髅图案的围巾，陈羽凡以配件表达了他对摇滚音乐的热爱。

编辑推荐

●任何简单的服装，似乎只需要加上一顶帽子，立刻产生奇妙的化学反应，令整身造型格外突出。

●本来就已是反叛色彩浓厚的军帽款式，再加上撞钉装饰，摇滚味道漫溢。

型男风格4 另类绅士

近年兴起的复古浪潮，令绅士色彩浓郁的礼服重新回到时尚界的顶尖位置，随势而来的，还有领结、腰封、手套等，似乎多年来被尘封在衣柜中的种种物件，再次出现在年轻潮男的身上，唯一的区别，只是染上了前卫的另类色彩。

明星示范

艳紫色丝绒西装营造出冬季中的暖意，以丝巾作腰封是灵光一现的创意，米色的皮手套则是绅士风格的别样再现。

编辑推荐

●在即将到来的圣诞派对季，以领结来搭配衬衫礼服，是令你醒目的最佳选择。

●比起通常的黑色领结来说，紫色格纹领结无疑更为抢眼，也更具谐趣味道，显示出你独到的品位。

型男风格5 幽默雅痞

幽默，当之无愧是男人最重要的特质之一，懂得幽默的男人，无论相貌如何，总有种别样的诱惑力，吸引着别人的靠近，就如同可爱的袖扣、如同宠物一般的靴子、弯曲羽毛构成的戒指……懂得幽默感的男人不会不爱。

明星示范

透视衬衫与白衬衫叠穿，看似不搭的装扮却混搭出惊喜的魔力，腕上的手表、裤上的吊饰……简单的饰物令幽默感暗自泄露。

编辑推荐

●袖扣通常都给人庄重之感，但若换成卡带的设计，立刻增添了诙谐之意。

●若是觉得袖扣实用度不高，同个系列还有卡带吊坠的项链，同样极富吸引力。
不知道够不够全面,不够可以再补充

C. 米白色的风衣搭配什么颜色的围巾

*波普元素的黑底白点长丝巾，显白皙肤色又不失甜美气质。*咖色垂坠感羊绒长围巾，显知性女性气质。*黑色长围巾，显高端气质。＊红色毛线长围巾，可爱邻家女孩。

D. 论述波普风格的特点

波普艺术,意即流行艺术、通俗艺术。是流行艺术（popular
art)的简称,又称新写实主义，因为波普艺术（Pop
Art）的POP通常被视为"流行的、时髦的"一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。
特点:用色大胆奔放，风格简明，
波普图案有：明星头像，几何图案，圆点，撞色设计，绘画涂鸦。
推荐你去看下：
http://hi..com/huaiqian/blog/item/f1968e5221de0b0b0df3e300.html

E. 什么叫波普图案

http://img3.pclady.com.cn/pclady/0808/25/310055_jihe2.jpg
英国“波普”文化和“波普”设计的发展
如果要用一个名词来形容60 年代的设计风格，大约最恰当的应该是“波普”( Pop）了，这个词来自英语的大众化（popular) , 但是，当它与60 年代的文化、艺术、思想、设计建立起密切的联系以后，它就不仅仅是指大众享有的文化，而更加具有反叛正统的意义，是这个时代的最大特征。在西方国家中，最集中反映“波普”设计风格的是英国。
这里必须搞清楚的是“波普”和“大众化”两个词的含义区别。不少人认为“波普”源起大众化，因此，“波普”文化和“波普”艺术就是大众文化和大众艺术。其实，大众文化是大众的文化，“波普”文化是知识分子的文化，不过借用了大众文化的某些形式而已。“波普”运动，是一个典型的知识分子运动，它的某些内容，比如艺术形式、设计形式受到青年大众的欢迎，但是这并不能改变它的意识形态基础和知识分子反文化的精英立场。英国“波普”艺术最重要的代表之一里查· 汉密尔顿（Richard Haoilton）在与美国评论家罗伯特·休斯的电视采访中就反复强调过这个区别。
英国的“波普”设计在这场运动中具有非常鲜明的特点，虽然英国在现代设计运动中落后于其他发达国家，但是，它在“波普”设计运动中显示出来的前卫性特点，却引起世界各国的注意与重视，并且，也影响了其他国家的设计发展。
英国虽然在50 年代由于政策失误，造成设计远远落后于国际先进水准，几乎完全失去19 世纪中期发起“工艺美术”运动时的那种先驱的地位和作用，但是，在60 年代的“波普”运动中，英国设计却急起直追，有很大的成就。特别是在针对国内市场的消费产品的设计，出现了非常明显的突破，引起世界各国的注意。

英国曾经一度希望能够通过全国的努力，追上两次世界大战之间的现代主义运动，因为，在德国、荷兰、俄国以及美国高速发展现代主义设计的时候，英国基本是置之度外的，完全没有进人真正的现代阶段。从心理来看，这是非常自然的，希望能够不至于落后于先进国家，而方法就是通过现代主义设计运动这个阶段，虽然比别人迟了10 年，但是，看来还来得及迎头赶上。英国人提倡“好的设计”( good design) ，这个口号是德国人早在20世纪初就提出来的，英国人则到第二次世界大战结束之后才提出来，因此，从西方各国的设计界观点来看，英国设计整整晚了30 年，的确是太落伍了。对于英国人本身来讲，要重新赶上德国、美国、意大利、荷兰、斯堪的纳维亚这些国家的现代主义设计水准，也非常困难。而以反正统文化为中心的“波普”运动，则正好给英国设计家一个可以避开现代主义阶段的捷径。
60 年代英国在设计上的一个最显著的转变就在于不再苦苦追求重新开始现代主义设计运动，而自己通过当时的国家与国际的特殊情况、根据市场的情况和消费者的需求、根据当时的文化界出现的新气氛，来开辟一个新的设计路径。现代主义设计虽然具有讲究功能良好、强调理性和注意服务对象的特点，但是风格单调、冷漠而缺乏人情味道，则是有目共睹的事实，对于战后出生的年轻一代来说，这种风格已经是陈旧的、过时的观念的体现。新一代的消费者希望有自己的设计风格代表新的消费观念、新的文化认同立场、新的自我表现中心。现代主义设计的冷漠、非人格化、高度理性的特点，显然与他们的要求是违背的。战争期间设计的朴实无华，是因为战争期间物质匾乏，色彩的单调也是因为战争前后的总体气氛影响。现在，新的消费者，特别是青少年、职业妇女等等，他们要求的是代表自己喜爱的、新的、时代的风范，色彩必须大胆和强烈，设计造型应该突破旧有的造型框框，只有这样，设计才能为新的社会、新的市场服务。也只有这样，英国的、乃至欧洲的设计，才有可能与横行霸道的美国推崇的国际主义设计风格分庭抗礼，自立门户，形成自己的民族的当代设计风格，而不是在美国人推崇的国际主义设计后面亦步亦趋，否则，英国设计不可能有自己真正发展的前途和未来。这种认识，在当时的英国设计界中，特别是在青年设计家中非常普遍。英国设计也因此开始了一个完全不同的阶段，即“波普”设计阶段。

如果从本质来讲，“波普”设计运动是一个反现代主义设计运动，其目的是反对自从1920 年以来的、以德国包豪斯为中心发展起来的现代主义设计传统。这场运动思想的根源，其实还是从美国的大众文化中来的。当时的英国青少年代从美国的大众文化中得到启发，这些影响包括好莱坞电影、摇滚乐、消费文化等等。他们认为美国消费文化、美国大众文化符合自己的胃口，大众文化是对抗美国主流设计界推崇的国际主义风格最好的方式。因此，英国的设计界顺应英国青年的这种心理需求，而发起这场运动。美国大众文化对干物质的崇拜，各种新产品的不断涌现，对干当时处在战后物质匾乏时期的英国人来说是具有很大的诱惑力的。英国青年更加喜爱美国的流行音乐，他们自称为鸡蛋壳脑袋（egg-heads) ，英国设计家们注意到这种需求，而为适应他们的这种需求而设计与当时主流的国际主义风格、理性主义、减少主义设计特征背道而驰的新产品、新平面设计，从而产生了“波普”设计运动。
英国的“波普”运动是受到艺术创作上的“波普”运动影响而发展起来的。“波普”艺术运动最早出现在一些独立的组织中，这些组织的成员包括艺术家、评论家、建筑家和设计师。最早具有“波普”色彩的英国组织大约形成于50 年代中期，成员包括里察·汉密尔顿、爱德华多·包罗兹、雷奈·班汉（Reyner Ranham , 1917-）、约翰·麦卡尔、劳伦斯·阿劳威（Lawrence Alloway）、阿利逊·史密森（Alison Smithson）和彼得·史密森( Peter Smithson）等人。他们在伦敦的现代艺术学院开会研究美国大众文化现象，重点在于美国广告、美国电影、美国汽车式样对于大众文化面貌形成的关键作用。班汉提出美国大众文化背后的金钱内涵问题，提出美国汽车式样内包含的是性与权力的象征性。汉密尔顿则在1956 年利用美国大众文化的一些特别内容，比如美国电影明星玛丽莲·梦露的肖像、电视机、录音机、通俗海报、美国家具、起居室、健美先生、网球拍等等的照片，拼合成作品，称为《到底是什么使今日的家变得如此不同，如此吸引人呢？》，通过这张照片拼贴作品，把美国大众文化的内涵淋漓尽致地渲染出来，对于英国年轻一代艺术家和设计家影响很大。

“波普”运动开始时，英国的这个“波普”艺术组织的工作基本是集中在艺术创作上的，到60 年代之后，英国的“波普”艺术蔚然成风，出现了新的一批“波普”艺术家，包括大卫·霍克尼（David Hockney）、阿兰·琼斯、德里克·波舍尔和朗·基塔依（Ron KitaJ）等人。他们组成了第二个独立组织，他们也是集中于“波普”艺术的创作，其动机来源有所不同，主要是从美国大众文化的另外一些方面，比如连环画、科学幻想小说、广告和其他一些更加具有视觉影响力的内容，以这些内容进行组合，反映出大众文化的面貌，也就是“波普”面貌来。

英国的“波普”艺术很快就在设计上出现反应。英国可以说是“波普”设计的发源地，从英国开始发展，然后影响到其他国家。一批青年设计家对于现代主义、国际主义设计风格的垄断局面非常不满，借用“波普”风格来进行积极的反抗，从而发起了这场设计运动。他们针对的市场是富裕的青少年市场，也就是战后婴儿潮一代消费者。英国企业界也看准了这个市场的潜力，接受了他们的设计，通过生产和销售来促进这个新的设计风格，取得很好的市场效果。
英国“波普”设计的主要设计家大部分是刚刚从艺术学院毕业的学生，他们对于传统，包括现代主义的传统没有多少依赖和感情，更加重视自己这一代人的习惯与喜爱。因此，他们最具有打破传统束缚的动机。他们是从产品设计、服装设计和平面设计三个主要方面开始突破，从而创造了这三个基本领域内的“波普”设计风格，英国的“波普”产品设计、“波普”服装设计和“波普”平面设计都非常有特色。这些设计家们的努力方向，是要找到代表自己的视觉符号特征、自己的风格，代表自己这一代，而明确表明自己所站的是非父母那代人的立场。因此，各种各样奇怪的产品造型、各种各样特殊的表面装饰、非常特殊的图案设计、反常规的设计观念都涌现出来，一时的确热闹异常，旗帜鲜明。但是，由于主要是一种青年期的宣泄，因此，虽然热闹，但很快就消失得无影无踪了。正如班汉讲的：来势汹汹，但持续力量却非常微弱。

英国“波普”设计主要强调图案装饰。不少图案是直接从一些当时的“波普”艺术中借鉴过来的，比如从贾斯柏·詹斯( Jasper Johns）、维克多·瓦沙里利（victor vasarely）、布里吉特·莱利（Bridget Riley）的绘画中提炼出的图案，来做设计的表面装饰。产品设计动机中主要的来源则以宇航技术、儿童的天真两个方面作为设计动机的参考根源，比如把厨房设计成一个宇航器的室内空间，女性时装设计则模仿宇航员的服装（安德列·科列吉斯Andre courreges 的银箔装the silver Foi1Suits) ，或者把女性时装设计成小女孩的服装式样（玛丽·宽特Mary Quant 的小女孩装）。其实，这些英国“波普”设计家们，自己就是那个丰裕时代的积极的、乐观的代言人，通过他们的设计作品，来反映这个令他们感到兴奋的物质丰裕的新时代，这个年轻的时代。
英国“波普”设计比较集中反映在时装设计、家具设计、室内设计、平面设计几个方面。其中以时装设计显得最为突出。时装设计也是英国“波普”设计第一个出现的运动。它的最大的特点是集中表现了为青少年代的时装，而不再是为中年一代的墨守成规的服装了，并且针对的市场也不仅仅是少数权贵的高层部分，更加兼顾到比较广泛的大众市场。比较重要的设计师包括玛丽·宽特、玛里安·佛利（Marion Foale）、沙里·图芬（Sally Turrin）、奥西·克拉克（ossie clack）等人。
时装设计是“波普”文化最集中的体现。以上这些设计师通过他们的设计，赋予服装以新的含义，无论从材料上、图案上，都强烈地表现了他们希望强调的特征，他们的服装是这个时代的这批青少年的一个新的宣言，非常具有时代特征。本书主要不是介绍时装设计，因此就不进行有关的详细讨论了。

英国“波普”设计的家具也非常具有特色。家具设计界与时装设计界相比，较难完全地摆脱传统家具式样的影响或束缚，因为家具兼有比较耐用的特点和比较多的与传统风格相关联，因而，完全的改革显得比较不容易。长期以来，除了现代主义、国际主义家具设计是全面的革命、对传统的完全突破之外，其他家具设计都依然具有很重的传统的影响，50 年代的家具，或者是现代主义的，或者是传统折衷的，似乎没有其他的途径可以发展。
但是，到20 世纪60 年代中期，英国在家具设计上终干出现了“波普”风格，完全打破了传统，同时也打破了现代主义、国际主义风格的束缚。英国“波普”家具主要是通过特伦斯· 科兰（Terence conran）的家具零售店“哈比塔特”( Habitat）推广开来的。他的这个家具店原来是在1964 年开设的，后来由于生意成功，逐渐发展成一个专门推销廉价、色彩鲜艳、设计特殊的家具与家庭用品专业中心，目标市场是青少年。这里的家具和用品色彩非常简单，但是绚丽多彩，造型也简练。这里也出售廉价的陶瓷用品、首饰，不少是从斯堪的纳维亚国家进口的，由于“波普”风格鲜明，非常受青少年喜爱，生意兴隆。

除了“哈比塔特”之外，英国还有一些个体设计家从事“波普”风格的家具设计探索。其中一个是彼得·穆多什，他设计以英文字母为表面图案装饰的纸椅子（其实是用纤维板做的，但是采用迭纸技术制作，看起来非常像纸制品）, 具有廉价和表现性强烈的双重“波普”特征。其他的这类设计家还包括马科斯· 克林登宁（Max Clendenning）和他设计的拼接家具（jig-saw furniture）、罗杰·丁（Roger Dean）和他设计的吹塑椅子（blow-up) ，这些设计都具有游戏特色，色彩鲜明，造型特殊，并且常常有一种玩世不恭的青少年心理特点。它们传达的信息是非常明确的：在大众文化和用毕即弃的新物质文明中，功能主义不再是设计应该首先考虑的问题了。设计家应该更多考虑市场细分要求，尽量满足消费者的心理需求，而不仅仅是创造耐用的、功能良好的经典功能主义家具。这种“波普”文化的现象，在60 年代不但广为英国和欧洲各国青年喜爱，同时，连正式的英国设计机构，比如英国的设计协会也不得不正视它，因为它已不仅仅是一个少数青年知识分子的个人表现探索，“波普”已经成为一种文化、商业、经济现象。
但是，“波普”运动追求新颖、追求古怪、追求新奇的宗旨，却缺乏社会文化的坚实依据，所以虽然来势汹汹，却消失的非常迅速。60 年代中期以来，“波普”设计从新奇中找寻设计动机的努力已经出现力不从心的状况，单纯追逐新奇，最后难于找到更加古怪的风格来维系这场运动的发展。因此，出现了从历史风格中找寻借鉴的情况。具体到英国设计界的设计参考来源，主要被用来借鉴的有两个时期的风格：一是长期被设计界以庸俗、矫饰批评的维多利亚风格，另外一个就是19 世纪中期出现的英国“工艺美术”运动风格。这是一个非常古怪的转化，因为“波普”在开始时是以标榜否认传统为基本立场的，到头来，居然回到历史中找寻风格借鉴，可以说有点讽刺意味。也可以说明：单纯从形式上进行发展探索是多么的单薄和不可靠。
最早出现这种复旧情况的是服装设计，特别是服装图案，60 年代后期的不少“波普”服装上开始采用维多利亚风格图案，之后，维多利亚风格作为装饰动机出现在家具表面、窗帘、桌布等等物品上，随着时间推移，英国“波普”设计不仅仅采用维多利亚、工艺美术两种风格，爱德华时期风格（Edwardiana）、“新艺术”运动风格、“装饰艺术”运动风格等等也一并出现了。一个以反对传统为核心的运动，一个标榜青年风格的运动，最后成为一个历史风格的大杂烩，可以说这场运动也就走到尽头了。
英国“波普”设计运动中这个复古现象，比较集中体现在海报设计、唱片封套设计、商店设计、橱窗设计和其他比较多运用平面设计的范畴里。其中，比较重要的设计家有马丁· 夏柏( Martin Sharp）等人，他们干脆采用“新艺术”运动装饰风格，特别是“新艺术”运动的两个主要画家阿尔封索·穆卡（Alphonse Mucha）和奥柏利· 比亚兹莱（Aubrey Beardsiey）的插图风格来作为自己设计的借鉴和参考。除此之外，他们也借用不少东方的、特别是东方宗教（如佛教）的装饰动机作为参考。他们这个时期的平面设计具有一种非常奇怪的特点，一种在战后不久、为青年一代的复古特征。这种复旧的设计倾向，很快就传人美国和法国。在法国，当这种从英国传人的“波普”加复古风兴起之后，法国人立即给它起了一个新的名称“复旧风”。这种复旧风格在英国一直延续到70 年代，比早期正宗的“波普”的时间还要长。
除了在风格上复古之外，英国“波普”设计，以及后来受它影响的美国、法国等国家的“波普”设计也都出现了对传统手工艺的复兴风气。比如对斯堪的纳维亚家具的喜爱，无论是家具、首饰、纺织品设计、服装设计、金属制品设计等等，都尽量采用手工或者仿效手工艺的方式设计生产，以达到手工艺的特征这个目的。基本是把19 世纪中期以来的英国“工艺美术”运动和欧美的“新艺术”运动做过的工作又重新重复了一次。这在一个宇航技术高度发展、电子技术日新月异的时代来说，显得非常特别。也是对50 年代的早期“波普”的一个反动。
自从60 年代末期以来，英国的“波普”设计运动出现了这样一些现象，使它的风格特征变化无常，非常难于确定它的统一风格。可以说英国的“波普”设计具有形形色色、多种多样的折衷特点，但是，它也具有一个统一的基点：那就是对干正统的现代主义、国际主义设计的反动，在这观点和立场上，所有属于这场运动的设计家基本上是一致的。
“波普”设计运动是一个形式主义的设计风潮，它的产生背景与战后日益形成的西方“丰裕社会”、青少年消费市场、反叛的立场，特别是对现代主义设计和国际主义设计的反感有密切关系。也正是因为这场运动基本是在形式主义的圈子中探索，并没有更加深层的意识形态依据，所以，本身形式不断改变，而始终没有能够成为一个统一的设计运动。
设计伦理观念的提出
这个时期，在“波普”设计运动的一片喧嚣的浪潮中，开始有人从设计理论的角度严肃提出“设计目的”问题。这对干现代设计的伦理、现代设计的目的性理论来说，是非常重要的一个起点。正因为有这个起点，日后的设计理论才出现了更加深入的发展。
提出这个议题的人是美国设计理论家维克多·巴巴纳克( victor Papanek）。他在60 年代末出版了他的最著名的著作《为真实世界的设计》 （Design for the Real world) ，通过这本著作提出自己对于设计目的性的新看法。这个理论家在这本当时颇具争议的著作中明确提出了三个主要的问题：
l ）设计应该为广大人民服务，而不是为少数富裕国家服务。在这里，他特别强调设计应该为第三世界的人民服务；
2 ）设计不但应该为健康人服务，同时还必须考虑为残疾人服务；
3 ）设计应该认真考虑地球的有限资源使用问题，设计应该为保护我们居住的地球的有限资源服务。
他的这几个理论观点保护了自从现代设计出现以来，一直被忽视的重要因素。第一次提出设计必须从国际主义的立场来考虑，为第三世界国家人民服务；也是第一次明确提出为残疾人设计的问题；更加重要是，他提出了设计上对于地球有限资源的考虑这个要点，对于这一点当时能够了解的人井不多，但是，自从70 年代初期爆发的世界能源危机以来，巴巴纳克的有限资源观点得到普遍的认同。
这本著作出版以后，立即被翻译成十几种外国文字，成为各国设计家、设计学生的读物，在消费社会、丰裕社会、“波普”设计的高潮时，这本书非常冷静地为人们敲响了警钟：设计的目的性必须明确，设计必须为社会整体服务。巴巴纳克这种理论被美国设计界视为异端，1991 年他本人在洛杉矶对本书作者提到：因为这本书，他在60 年代末被美国工业设计师协会开除，原因是他在设计理论上危言耸听。当时美国设计界的本位主义和保守程度，令人无法想象。但是，这本书的重大影响已经是没有办法消除的了。
在巴巴纳克之后，越来越多的设计家和设计理论家开始从这几个严肃的角度重新审议设计本身，从而产生了许多非常有成效的结果。人们开始从另外一个不同的角度看待斯堪的纳维亚的设计，发现这个设计体系中包含了许多以前并不太为人注意的合理因素。斯堪的纳维亚设计家们早就考虑了自然资源的保护问题，他们的设计是为社会总体的，而不仅仅是为少数权贵的。瑞典的一个设计组-人体工学设计事务所（Ergonolu itoam）早在60 年代就已经着手为残疾人设计餐具和刀叉具了。这些成果，在巴巴纳克提出他的观点之后被广泛研究和学习，因此从总体是提高了设计的水准，设计也不仅仅是形式主义运动了。
巴巴纳克的最重要贡献，是他提出了设计伦理观念，设计的目的不仅仅是为眼前的功能、形式目的服务的，设计更主要的意义在于设计本身具有形成社会体系的因素，因此，设计的考虑，也必须包括对于社会短期和长期因素的内容。现代主义提出设计为大众，而从当代设计伦理观念来看，设计还必须考虑为第三世界、为发展中国家的人民，以及为生态平衡、为包含自然资源的目的。这种考虑，极大地深化了设计思考的层面，推动了设计观念的发展。
http://ke..com/view/18149.htm
http://news.xinhuanet.com/shuhua/2005-12/27/content_3974159.htm
http://www.ddyuanlin.com/html/article/2007-10/16/20156.html

F. 什么是波普艺术图案

你需要先知道波普艺术是什么，波普艺术（popular art)简单的说就是“流行的、时髦的缩写。它代表着一种流行文化。
波普艺术图案就是通过对流行的图像，文字等等元素进行组合或者设计，使它们能体现设计师的思想或反映某种价值观。（个人见解）

G. 欧洲服饰的名称及样式

巴伐利亚

皮裤,紧腰裤,男士短上衣,亚麻衬衫,粉红色的丝绸领带和妇女民族服装。妇女们留着辫子，脸上点着雀斑，衣着时髦，而男士们则头戴帅气的帽子，留着特意蓄起来的胡子。

维多利亚

指1837年至1901年间，英国维多利亚女王在位期间的服饰风格，该时代女性的服饰特点是，大量运用蕾丝、细纱、荷叶边、缎带、蝴蝶结、多层次的蛋糕裁剪、折皱、抽褶等元素，以及立领、高腰、公主袖、羊腿袖等宫廷款式。

随着复古风潮的盛行，这股华丽而又含蓄的柔美风格，正带给我们耳目一新的感觉。

哥特式服饰

受建筑影响较大，其服饰上的特点是多采用纵向的造型线和褶皱，使穿着者显得修长，并通过加高式帽来增加人体的高度，给人一种轻盈向上的感觉。哥特风格的服饰特别重视外表的浮雕效果和线条。

女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。中世纪，裙长是一种等级的标记，只有高贵的太太们才允许后摆拖地，并有权把它染成绿色。

服装上的分割线、装饰线多采用纵向的、垂直的线条。13— 15世纪欧洲服装中歌特风格最为流行。那尖尖的埃宁帽就像一个小尖塔，还有两个裤腿颜色各异的紧身裤，尖尖的翘头鞋，饰以不对称图案的上衣等。

时下流行的哥特式时装也常常是不对称的，但时下所谓的哥特式时装只不过是带有些许哥特式艺术的气息，它看起来带有更多的商业色彩，这使得“哥特式”听上去更像是一句促销口号。

典型的哥特打扮是黑色高领紧身皮衣和有着复杂纹路的银饰，最关键是黑眼圈和悲伤麻木的表情。对他们来说，这意味着某种精神境界。

服装样式

倒挂领〕指领角向下垂落的领型。

〔中山服领 zhongshan coat collar〕由底领和翻领组成，领角呈外八字形。

〔尖领 pointed collar, peaked collar〕领角呈尖角形的领型，也叫尖角领。

〔衬衫领 shirt collar〕或衬衣领，由上领和下领组成，是衬衫专有的领型。

〔圆领 round collar〕指领角呈圆形的领型，也叫圆角领。

〔青果领 shawl collar〕是翻驳领的一种变形，领面形似青果形状的领型。

〔荷叶边领）领片呈荷叶边状，波浪展开的领型。

〔燕子领 swallow collar, wing collar〕领面下止口的两条线形，似燕子飞翔时翅膀张开的形状。

〔两用领 convertible collar〕也叫开关领。指可敞开、可关闭的领型。

(7)波普图案风衣扩展阅读:

发展历史

欧洲服装 - 10 世纪

男服变得更为贴身合体。英国男子的紧身衣上半贴身合体，下半象长至膝部的衣裙，宽松而舒展。紧身衣为套头式。

紧身衣外披一件斗篷，并用一个大饰针别在胸前。这时女式服装变得宽大，衣袖加肥加长，头发蒙在披巾里边，身体被斗篷蒙起来。

她们的内衣很长，直拖到地面，外衣到膝盖。圆口衣袖，衣服装饰华丽，很受拜占庭的影响。她们的头发用一块面纱蒙起，其端点重于背后直拖至地面。

至12 世纪宽松的衣服变得瘦窄，使身体曲线得以突出。并于身后系带，衣袖逐渐宽大，袖口可垂至膝部。

欧洲服装 - 12 世纪

出现了圆饼式头饰，它可以遮阳保护眼睛隔热，主要为十字军所戴。

上衣流行前开襟式，将前襟分成两片。女式衣服为系带紧身衣，上衣紧贴身体，下面是宽大的衣裙，两部分之间用线缝起，两袖宽松拖长，其剪裁方法是上下衣分裁后缝合，与以前使用一块大布不同。

欧洲服装 - 13 世纪

男女服装趋于一致，男服还有紧身衣及各式各样的外衣，圆饼头饰，帽式装饰衣袖，敞胸披肩。下面有长筒袜、靴鞋。

男子戴一顶中亚式小帽。这时护身外衣流行，适合旅行穿用，这种外衣是一件敞胸大披肩，旁边有缝，手臂可以伸出来活动。

另外这时期流行封闭式马甲式外衣，上身如马甲，下面可长至膝下，这种无袖长衫，肩部向两侧延伸加长，就成帽式装饰衣袖了。

13 世纪劳动者的长衫长短不等。男子上衣至膝，衣袖短小，脚下有无跟鞋，裤子于脚跟处有一圆洞，以便穿脱。夏天穿宽敞麻裤，上身裸露，

冬天穿短外衣和无袖套头衣。妇女穿长袍，中间有缝，可便于劳动，收获时裙子口袋可装农作物。当时禁止农民穿好料子及颜色华丽的衣服。

欧洲服装 - 14、15 世纪

欧洲服装开始有了变化。由于经济繁荣，农业、商业、手工业的发展，国际贸易的往来，东方文明的影响，欧洲服饰发生了许多变化，贵族男女追逐时尚。

贵族妇女争奇斗妍，男子不拘礼节；贵族与平民的服装有了更明显的不同；衣服式样变化，衣料品种增多。

《巨人传》载中世纪衣料有绸缎、丝毛混纺、呢绒、大马士革呢、条呢、金线缎、各种皮毛。衣服有大衣、外套、外罩、上装、短装、衬衫、短披，女人有连衫长裙、晚礼服等。饰物有念珠、指环、链条、宝石、钻石、翡翠、珍珠、玛瑙等。

服装力求摆脱古老习俗，追求时兴。东方服饰中的装饰和纽扣被欧洲人吸收，男人外套上排一列纽扣或宝石，甚至内衣纽扣也用宝石和纽扣装饰。

14 世纪男士的夹衣流行，夹衣两层，十分贴身，衣袖设计合理，可以自由活动手臂，便于全身活动。

夹衣上有十几个扣子，夹衣衬里有细带可将瘦腿裤上端与之相连接；紧身外衣穿在夹衣之外，高领外衣兴起于14 世纪末；衣领将两耳覆盖，颈后衣领盖过后脑。

下部裙衣拖至地面；这时期的斗篷用一组扣子固定在身上，外观为圆弧形，又长又宽。妇女服装主要是带袖紧外衣和无袖长衫。

由一块布作成，领口宽，衣领偏低，这就是14 世纪欧洲妇女流行的袒领衫，领口有圆形、角形、方形，领口开得很大，露出胸的上半部，上身有无袖、短袖的，臂膀裸露，腰带提得很高。

H. 一幅画9张脸的那个画是属于甚么画派的

超现实主义，你可以在其中一位艺术大师达利的画作中找到类似作品 超现实主义（surrealism）： 超现实主义是盛行在两次世界大战之间的文学艺术流派，此一流派承自于达达艺术而产生，并且对于视觉艺术的影响力深远。探就此派别的理论根据是受到佛洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。超现实主义艺术家主要有米罗(joan miro)、达利(salvador dali)、恩斯特(m.ernst)、马格利特(r.magritte)等人。 米罗的创作表现方式是有意的打乱知觉的正常秩序，在直觉式的引导下，用一种近似于抽象的语言来表现心灵的即兴感应。因此在它的作品中会有象征的符号和简化的形象，使作品带有一种自由的抽象感，也有儿童般的天真气息。主要的作品有〈向鸟投石子的人〉、〈荷兰式家居室内〉等。 达利相较与米罗，他采用相反的表现手法。达利认为艺术家要将潜意识的形象精确第纪录下来，所以他采用"具象"，精确地复制非正常逻辑思维产生的幻象，把毫不相干的事物全部组合在一起，使画面中充满戏剧效果，带给人视觉与新心灵的震撼。主要作品有〈永恒的记忆〉、〈内乱的预感〉等。

超现实主义 Surrealist film
1920年兴起于法国，主要是将意象做特异的、不合逻辑的安排，以表现人类潜意识的种种状态。路易斯．布纽尔的《安达鲁之犬/一只安达鲁狗(Un Chien Andalou)》可以算是早期超现实主义电影的经典作品。而超现实主义电影的兴起旨在反抗写实主义与传统艺术，领导人安德烈·布列东的一篇宣言中提到：「一种纯粹的心灵自动作用，在此作用之下，试著以语言、文字或其它任何方式，来表现思想真正的运作情形。」后来超现实主义成为实验电影与地下电影的重要源头，如美国的玛雅·黛伦与肯尼斯·安格。商业电影中超现实主义并不是主要派别，只出现在个别导演的电影中，如伍迪·艾伦。

超现实主义的哲学意义是纯精神的无意识行动，运用这种无意识行动，可以表达思想的真正机能，并摆脱理性的控制和审美上或道德上的偏见。超现实主义者确信，一向受忽视的某种联想形式具有超现实性，这种超现实性使得思想的梦幻能自由翱翔。这是超现实主义者梦寐以求的世界。

超现实主义不是象征主义或抽象派。因为超现实主义艺术是要去创造一种新的现实，一种高于生活的现实，即超现实。

超现实主义这一术语出现于1917年剧作家阿波利奈尔（Apollinaire）之口。超现实主义艺术家的第一组展览出现于1925年，参加者中最有名望的是毕加索。时装设计师中最成功地运用超现实主义的是埃尔莎·夏芭亥莉（Elsa Schiaparelli）。她曾把一只高跟鞋倒立着变成一顶时髦的帽子。在常常是非理性的颠颠倒倒的时装世界里，她发现超现实主义是能够找到一席之地的--那些用剪刀绞破的牛仔裤和鸡冠般高高竖起的发型有什么理性可言？

马丁（Richard Martin）在《时装与超现实主义》一书中对时装与超现实主义联姻的过程有着恰如其份的描述。在1983、1984年间，超现实主义时装获得了全面复兴；1985年，由拉格菲尔德完成了"蛋糕帽"和"安乐棱帽"。今天，超现实主义时装的款式和图案比比皆是。

研究发现，超现实主义画家们最关注的是人体和它的局部。时装也是表现人体，只不过时装遮盖人体多一点而已。作为遮盖人体艺术的时装，设计师们寻找各种方法再现人体的美。圣洛朗推出的金黄胸铠圆满地表达了人体的惊人效果。其实，从心理学角度来看，对女性胸的装饰结果，恰恰强调了装饰里面隐藏的东西。当然，通过某种暗示也能表现人体。1984年卡特巴杰在风衣上绣着一句极富挑逗性的法文："我没穿裤子"。在超现实主义设计师的眼光里，这也许是给时装下的最确切的定义。虽然，按常理来说未免有点过份。然而，它确实道出了超现实主义时装的内涵。必须承认的是，富有超现实主义意味的时装，色情成份到处可见。我们还发现，超现实主义设计师在相饰上很下功夫。原因是，作为脖子上的戏台--帽子，极易成为人们的视觉中心。

时装与超现实主义艺术虽有相通之处，但其本身有异于超现实主义艺术。时装的超现实性样式的出现主要是作为图解艺术的时装迎合了时装商业。因为通过广告、报刊、美术和摄影，使得超现实主义精神广为流传。其中，设计师和时装评论家的力促也起了关键的作用